Iniciamos una semana feliz dedicada a David Shrigley, que expone en Hayward Gallery de Londres (Brain Activity). De estilo y línea kingkongfundible, también dice cosas muy properlantes. Sin embargo, hoy, partimos con fotos de sus trabajos (arriba).

¿Si yo me rindo primero, ustedes se rinden después?

"Cada dibujo es un tipo de ocurrencia milagrosa. Curiosamente, la gente piensa que la dificultad del dibujo es hacer las cosas parecidas, pero el parecido es la parte menos significativa de un dibujo". Milton Glaser

El espejo que no quería parecerse

Ehécatl, el dios del viento azteca nos visita. Da audiencia a los interesados en la planta baja de Fundación Proa, en Pedro de Mendoza 1929, ciudad de Buenos Aires (Argentina). No por siempre. El 22 de Febrero emprenderá el regreso a su tierra natal, llevándose su collar. Uno que parece un sol partido al medio con un espiral sumido dentro, pero que los antropólogos aseguran que es una caracola de esas que braman. Ambas cosas pueden ser, ya que su aliento "inicia el movimiento del Sol, anuncia y hace a un lado a la lluvia. Trae vida a lo que está inerte". Por si tal trabajo fuese poco, el buen Ehécatl, es el responsable de haberle regalado a la humanidad la capacidad de amar. Es que sabía las tormentas que iba a generar todo el asunto.


Lo que nos pone en movimiento

En Noche en la Pampa Tomy Lebrero canta: "La noche es un infinito/ Lleno de estrellas y soledad / La pampa es asiática (...) / La pampa es misterio (...) / La pampa es un poco nuestro amor / Una voz vana frente al devenir (...) / Camino lento soy un ciego / Al palo torpe esta canción /  La pampa sin esquemas / La pampa es lo que vos quieras / La pampa es un poco nuestro amor (...). Fuera de la poesía, ciertamente la pampa no es lo que nosotros queramos, excepto si la vemos como un lienzo o muro móvil en el cual proyectar mundos internos. Si de pintura se trata, es más interesante exponerse a la pampa al modo en que Turner se daba a las costas marinas y paisajes: corriendo el riesgo del cuerpo a cuerpo. Esto es, de ser sujeto de acción de las fuerzas de la pampa (como en la anécdota en la que el viejo mañoso se ató a un mástil para observar una borrasca en el océano), y al representarla, convertirla en sujeto sobre la cual golpean nuestras pasiones interiores. Es lo que hizo Antonio Berni en su serie de trabajos Cielo y Pampa (arriba). Así es como, verosímilmente, puede ser, "es un poco nuestro amor".

Y más que un poco, también

"The point about the patterns you see in water in swimming pools is that they're moving, they don't stay still. And if the water es violently moving and there's a lot going on, the photograph, which is only capturing a fraction of a second, is in way quite unrealistic, whereas you can paint it closer to the experience of seeing it."
David Hockney dice bien: hay cosas quietas más vivas y cosas quietas menos vivas. El arte de la pintura se ocupa de las primeras de ellas.

(Imagen, díptico de Marcos López. En la parte izquierda un gran invento de alguien: pegar una versión pequeña de Portrait of an Artist / Pool with two figures, obra de 1972, de Hockney, sobre una versión más grande).

Quietud activa

"Pero dibujo y color no son más que una sugestión. Por medio de la ilusión deben provocar en el observador la posesión de las cosas. Y esto ocurre en la medida que el artista es capaz de sugestionarse y de transmitir su propia sugestión a su obra y al espíritu del observador. Como dice un antiguo proverbio chino: Cuando dibujamos un árbol, debemos sentir que poco a poco nos vamos elevando". Matisse en Función y  modalidades del color.

(Imagen, elefanta "Hansken" dibujada por Rembrandt con tiza negra y carbonilla)

Hipnobujos

Seguimos con elefantes. La última portada de The New Yorker: elefantes rojos, como el que alguna vez Banksy presentó en Los Ángeles (Cal.). Pero estos son conservadores. Y quieren que los ciudadanos estadounidenses voten por ellos. Son los precandidatos presidenciales del Partido Republicano. Todos millonarios.

¿Plutocracia? No, ¡Jumbocracia!

Hay un mundo nada misterioso y fácilmente accesible en el cual los elefantes –llamados allí "elefantos"– no sólo relucen, sino que traslucen. Tal mundo reencontrado fue, largo ha, la mítica comarca de OE. Pero sus habitantes migraron y hoy se los encuentra, dispersos, en varias paradas de Buenos Aires. Esta manada paquidérmica, por ejemplo, pacía en un reducto de Maravilla Crespo el 1º de Enero recién pasado. Contenta porque amenaza con entrar en explosión demográfica, como muchos de los hijos de Luis Fernández, creador de Objetos Encontrados. Pronto, como viene el deseo migratorio, es probable que una nueva tierra reúna a las hordas dispersas y cualquiera de nosotros pueda domesticar el suyo.

(Imagen, Martín BA)

¡Elefantástico!

"Tarde o temprano nos vamos a quedar cortos de serpiente". Dorothy Gambrell no muestra que la máquina de reproducir pasados llamada nostalgia (lo que incluye la nostalgia de lo que NO sucedió) funciona a pleno en estos días. También que, aunque el pasado es tan infinito como el futuro (infinito, pero cerrado a la acción), vivir de comer pasado es una dieta  poco saludable.

El pasado como combustible tóxico

Mary Berg, que vivía en el gueto de Varsovia, trazó el retrato de una chica en su clase de dibujo. Era el 27 de febrero de 1941; el gueto se estaba muriendo poco a poco de hambre. "Muchos de nuestros alumnos vienen a clase sin haber comido nada, y todos los días organizamos una recogida de pan para ellos", escribió en su diario. Pero la situación de los modelos era peor. Hacían cola para ganar dinero posando.

Ayer nuestra modelo fue una niña de once años y bellos ojos negros. Mientras trabajábamos, la niña estuvo temblando de fiebre y nos costó dibujarla.

Le dieron de comer. "La pequeña, sin dejar de temblar, se comió solo parte del pan que recogimos para ella y envolvió cuidadosamente el resto en un trozo de periódico. Esto es para mi hermanito, dijo. Luego permaneció sentada sin moverse mientras la dibujábamos".

(Extracto de Humo Humano / Los orígenes de la Segunda Guerra Mundial y el fin de la civilización de Nicholson Baker)

Sobre la impotencia del dibujo

"Creo que la pintura y el dibujo expresan lo mismo. El dibujo es una pintura realizada con medios reducidos, que es capaz, tan bien como la pintura, de aliviar al artista de sus emociones. Evidentemente la pintura es algo más completo y su acción sobre el espíritu más intensa". Henri Matisse.

(Imagen, copia de dibujo de niño con sombrero de ala ancha de Rembrandt)

Sombrerencias

Cierta vez, en un hotel o una fiesta, Max Beckmann se cruzó con un grupo de argentinos: no andaban literalmente disparando chorros de manteca hacia los cielos rasos, cual ballenas lácteas, ni tampoco tenían vacas atadas a los pies de sus camastros de bronce o roble de los bosques bávaros; pero –sí–, malparafraseando a un personaje de Jean Renoir, su alegría y extroversión eran tales que no resultaba injusto decir de ellos que, como buenos millonarios de las pampas: "Pueden cultivarlo todo, menos la discreción". Excepto uno. Se trataba de un joven ensimismado, silencioso, envuelto hacia adentro. Al pintor alemán le interesó. Tanto, que decidió convertir su estampa en una pintura, el hoy admirado "Retrato de un joven argentino" (arriba).

Apenas un poco antes de aquellos días otro joven, esta vez austro-húngaro, se había colado en la oficina de Sigmund Freud:

Wilder: Dr. Freud, vengo del periódico.
Freud: (Levantándose, muy molesto y extendiendo uno de sus brazos hacia Wilder): ¡¡Fueraaaa!!
(La versión que contaba Wilder mismo, y no sus amigos, era algo más calma. "¿Herr Wilder? / Si / Ahí está la puerta"). Samuel Wilder salió por ella y se fue tan lejos como Berlín. Lugar en el que pronto dejó el periodismo y se convirtió en guionista. Sabia decisión, también que, "como gusto secreto, comenzó a comprar a precios de ganga grabados y acuarelas de los expresionistas alemanes, la pintura maldita del momento, la de Otto Dix, de Schiele, de Beckmann, de Grosz, de Kirchner, y el mismo olfato que tenía para el arte lo usó también para detectar el peligro que se avecinaba. Huyó de los nazis en 1934 con parte de la colección que pudo trasportar", escribió–éste sábado– Manuel Vincent en El País.

No se quedó allí aquel hijo de comerciantes pasteleros, cuando arribó a EE.UU., se convirtió en Billy Wilder e hizo fama y fortuna, peléandose con Raymond Chandler (¡Te queremos Raymond!), Arthur Miller y levantándole las faldas a Marilyn Monroe, siguió con el bichito colector dentro: "(...) Wilder sobrevivió dos décadas a este escarnio (no lo dejaban filmar, por "viejo") y todo ese tiempo lo dedicó a divertirse comprando arte, obras de Picasso, de Matisse, de Balthus, de Rothko. No quiso adquirir a ningún precio la famosa litografía del rostro de Marilyn realizada por Andy Warhol, como uno de los iconos de Norteamérica. Con haberla poseído de cerca en el plató como actriz de carne y hueso ya era bastante. Una colección de arte es como un río, decía Wilder, hay que dejarla fluir para que se renueve, de lo contrario, si se remansa, forma un estanque, se pudre y comienza a generar algas. Compraba y vendía. Dio pruebas de una sagacidad fuera de lo común a la hora de moverse entre las galerías, tanto o más que en los estudios de la Paramount. Pero un día su fina nariz percibió que el globo estaba a punto de estallar. Pocos meses antes de que la crisis hundiera el mercado del arte, cuando la pintura estaba en la cresta de la especulación salvaje, en 1989, llevó toda su colección a la sala de subastas de Christie's. Consiguió 32 millones de dólares, más dinero del que había ganado en toda su carrera de cineasta. Pasada la crisis volvió a comprar parte de esos cuadros a mitad de precio, pero sólo porque le causaba placer".

A Billy también le satisfacía el placer las venganzas retrospectivas. Las ejecutaba por medio de avispazos verbales. De Freud, por ejemplo, dijo que su diván "era una cosa muy pequeña: ¡¡todas sus teorías están basadas en el análisis de gente  muy baja!!" Ducho en manejar frustraciones, su colección nunca incluyó el retrato del joven argentino (¿habrá sabido ese luego ex-joven que su estampa triste llegaría a convertirse en una estampilla de Alemania?), pero no se molestaba, con toda su familia muerta en Auschwitz prefería reírse de la locura humana y la suya propia: "Soy guionista,...bueno, nadie es perfecto".

Tender is the Wildest Wilder

¡Ahora sabemos de dónde sacó Martín Caparrós su bigote! Na, sou estaba brincando, pero muchos le debemos cosas no capilares a Arthur Conan Doyle: la mayoría, entretenimiento. Buen hijo de una época e imperio que priorizaba más bien el "esclarecimiento", sufría con ganas el tener éxito por el relato de las aventuras de ese Don Quijote ya no infatuado por las lecturas, sino por la deducción; e igualmente lleno de ganas de "desfazer entuertos" en esa planicie castellana con niebla y castillos falsamente góticos llamada Inglaterra. No, él hubiera querido que la Reina lo felicitara por sus novelas históricas, pero Dickens (más Wilkie Collins) ya había plantado la cizaña feliz de la adicción a las peripecias de huérfanos, desheredados, novias y abogados y –si se trataba de complicarse la vida disfrutando las ambiguedades y sutilezas de la sensibilidad y guerra de trincheras a bayonetazos de hipocrecía en los campos de la socialité-, Henry James era el caballo al que apostar en tal carrera, precisamente por tener sus extremidades tan largas hechas unos ovillos del infierno que le permitían rodar a la meta enloqueciendo al lector con acrobacias del punto de vista. Así las cosas, Arthur estaría felizmente contento de saber que lo que él llegó a detestar ha sido tan fértil que sobrevive y se expande como enredadera que va por su segundo siglo. Y, desde Umberto Eco a Pablo de Santis, cientos de escritores dedican sus afanes a hacer covers literarios de aquel subgénero que creó: mente contra cosmos, valor racional contra todas las armas del crimen. Visto así, no tenemos más que celebrar la enésima resurreción de Sherlock, esta vez en la segunda temporada de la más reciente encarnación propuesta por la BBC, con Benedict Cumberbach haciendo del detective que suscribiría 100 por ciento esta paráfrasis de la frase de Leonardo, "el crimen es una cosa mental", y su ladero, Martin Freeman: quien –a un siglo de distancia del Watson original– sigue siendo un veterano de la guerra de Afganistán (lo cual dice algo no muy agradable de la vocación bélica, y capacidad de aprendizaje de los políticos rulbritanos). Pero, bue, una cosa por otra: a disfrutar.


El Sherclock marca medianoche

Si Magritte no hubiera tenido éxito...

No es lo mismo encima que ensima

Sombrero boliviano en Avenida de Mayo, Buenos Aires.

Corona

El viento se lleva los papeles de un viajero.

(Imagen, fragmento de Ejiri en la provincia de Suruga, Hokusai).

No se los llevó el viento

Cover de Bandada de Gallos de Hokusai. Basado en fragmento de un grabado que pertenecería a su Período Tempo (1830-44). Carbonilla y lápiz de grafito rojo.

El que despertaba al sol de tinta y grafito

Corre 1953, Robert Rauschenberg se replantea el acto de dibujar. ¿Qué otras formas de dibujar existen? ¿Qué tal si dibujar consistiera no sólo en dejar marcas que se ven, sino en borrar marcas para que se fantasmalizen? ¿En lidiar con la incertidumbre no de qué imagen aparecerá, sino sobre qué suceso tendrá lugar cuando esa imagen desaparezca, menos por un acto de destrucción, que como forma de celebración?

Lo que ocurrió a continuación es objeto de este video, pero sepan que la leyenda cuenta que el buen Bob terminó (o empezó) por borrar una obra de Wilhem De Kooning. Lo inspirador es que el gran expresionista holandés afincado en EE.UU. decidió no hacérsela fácil: "Me demoré como un mes en borrarlo", cuenta Rauschenberg. Y hasta Jasper Johns, quien felizmente vivía en el piso de arriba tuvo algo que ver.

(Imagen: De Kooning borrado por Rauschenberg)

Del crear como descrear

Heladero de boina roja.

Buena boina

El deseo se abre paso:

"(...) He and his close friend, the painter Franz Kline, unable to afford costly pigments, famously went out one day and bought inexpensive black and white enamel household paint and (according to legend) with devil-may-care abandon began turning out major works."

Extracto de Willem de Kooning Still Dazzles.

(Imágenes: Las dos primeras son Viernes Negro y la tercera no está identificada, pero es de la misma época).

Darle con lo que haya

A Bigger Message: Conversations with David Hockney es un libro que acaba de aparecer, el cual compila las conversaciones y parte de la obra de los últimos cinco años del pintor inglés. Aunque algunos, como Ben Lewis, todavía se pregunten: "Is Hockney a kind of painterly Elton John – someone who has penned a handful of unforgettable visual melodies, whose endurance depends largely on their cheesiness? Or is he a genius of early modernism, born 100 years too late, who has created his own irresistibly beautiful aesthetic that transcends time and place?", con una ceguera algo triste que ignora sus comienzos postpicassianos; enterarse de su proyecto de seguir expandiendo las posibilidades pictóricas mediante la construcción del espacio y la perspectiva con técnicas no occidentales, es una señal de su devoción no por una "estética", sino por un relato de la modernidad.

Imágenes contenidas en el libro, acá.

Clavando unas picas(ssas) en Flandes (esquina modernidad)

¿Es más duro retratarse a sí mismo que a otra persona?

–Para mí es una forma de iniciar, como decía Van Gogh, una campaña. Un trabajo. Es decir: acá estoy yo, acá está el lápiz, allá estoy yo. ¿Cuál soy yo? (risas) ¿Cómo soy yo? ¿Soy yo? (risas).

(El pintor argentino Carlos Alonso, hablando de "si hay un consejo que les doy a los chicos que me traen dibujos es: 'Ponete frente al espejo y te va a ayudar a saber muchas cosas de vos, no solamente de tu rostro, sino de quién sos'".)

(Imágenes, de arriba hacia abajo: Alonso y uno de sus autorretratos, otro autorretrato del artista, autorretrato de Paul Gauguin, autorretrato fotográfico de Félix Nadar).

Paisaje con ceño alegre frente a espejo 

Era un sol de invierno, pero de final de invierno:

por momentos se desperezaba.
Sus ojos achinados,

spoilers

de primavera.

(Imagen, Antonia Lara)

Días de spopri

"Durante su vida Edmund Wilson y Gore Vidal devoraron bibliotecas enteras. Que tantas lecturas hayan desembocado finalmente en tan poca sabiduría parece llevar a una conclusión: los libros son esencialmente inútiles. (Uno se lo temía ya un poco, y por otra parte, es por eso por lo que se los ama tanto)". Simon Leys en El éxito es vulgar, a propósito de mirar la vida en retrospectiva y las opiniones de ambos sobre La muerte de Iván Ilich de Tolstói.

Quizás se podría decir que la confusión entre conocimiento (maravillosamente transmitido por los libros), experiencia (a veces, pero no siempre, recreada por su intermedio y la disposición imaginativa de cada cual) y sabiduría es un clásico. Uno nada deshonroso, excepto para los que creen que existe algo como "LA" sabiduría, en vez de ese club de señoras algo ácidas, pero cariñosas, que no dan cita ni besan gratis: las sabidurías.

(Imagen, Mujer leyendo (1909). Édouard Vuillard)

¿Sabiduría? En el subterráneo, a la izquierda, por favor

¡Por una vez de acuerdo con San Agustín!

"Dejé de aspirar a un mundo mejor, pues contemplé por fin la Creación en su totalidad, y a la luz de esta inteligencia más clara, llegué a comprender que aunque las cosas superiores fuesen mejores que las cosas inferiores, la suma total de la Creación es mejor que las cosas superiores por sí solas".

(Imagen: Brighton Beach de Tony Rey Jones)

Suma que rezuma

"Los chinos consideran que pintar es sobre todo difícil antes de pintar, pues la idea debe preceder al pincel. Por eso la noción de que la pintura es una cosa mentale ha sido siempre una cosa evidente para ellos. En Occidente es, por el contrario, la definición de Jackson Pollock, painting es something physical (pintar es algo físico), la que parece haber tenido un mayor predominio. En la pintura occidental, en efecto, es relativamente raro que la obra constituya la simple proyección de una visión interior preexistente; mucho más a menudo, la pintura resulta de un diálogo, incluso de un cuerpo a cuerpo que el artista emprende con la tela; situación perfectamente descrita por el axioma de Dufy: Hay que saber dejar la pintura que se quería hacer en favor de la que se hace.

La psicología de la percepción distingue dos tipos de imágenes: están las imágenes de la `memoria primaria`, de la que, por ejemplo, se sirve el pintor que trabaj al natural; estas no duran más más que un instante, el tiempo que tarda en trasladar su mirada del modelo a la tela; y están las imágenes de la `memoria secundaria`, llamadas también imágenes eidéticas: el espíritu las almacena como lo haría una cámara, y luego, cuando desea consultar esos clichés, se los proyecta en una pantalla mental donde aparecen en toda su complejidad. La imaginación eidética se encuentra a menudo en estado espontáneo en los niños. pero también es posible cultivarla metódicamente. El estudio y el ejercicio de la escritura ideográfica probablemente han favorecido el desarrollo de esa facultad en los pintores chinos, al igual que la práctica de la meditación enseñada por el taoísmo y el budismo chan. Añádase a esto toda la técnica china: la naturaleza misma de sus instrumentos –tinta y pincel–, que no permiten ni la duda ni el arrepentimiento, excluye en gran medida la posibilidad de trabajar a partir de las imágenes de la `memoria primaria` (del natural) y exige por el contrario una ejecución instantánea, sin retoques.

Para el artista se trata, en efecto, de restituir de un trazo la imagen que se había formado en el espíritu antes de tomar el pincel; y cuando el pincel ataca el papel es con un impulso fulminante y sin vuelta atrás, como el halcón que cae sobre una liebre.
Una anécdota en la vida de Daumier demuestra, por otra parte, que esta forma de creación no está enteramente ausente de la pintura occidental. Daumier fue un día a ver a un vecino del campo: Necesito un pato para una litografía, pero he olvidado como está hecho. ¿Puedes enseñarme uno? El amigo lo llevó a la charca del fondo de su huerto y, como Daumier se concentraba en la comtemplación de los patos, le preguntó: ¿Quieres un cuaderno y un lápiz?
Pero ¿qué te crees? (respondió el artista) ¡Yo soy incapaz de dibujar al natural! Finalmente, una vez que se hubo grabado la imagen de los patos en la mente, Daumier se despidió. Y a la semana siguiente Le Charivari publicaba unos patos dibujador por Daumier, de una vida y una verdad impresionantes.

El filósofo Alain (seguido en este punto por Sartre en Lo imaginario), creyendo que había una diferencia esencial entre lo percibido y lo imaginado, se burlaba de esas gentes que pretendían ver el panteón sin estar delante de él (¿Cuántas columnas ve?). Pero en realidad, un pintor Song, o un Da Vinci, o un Daumier, probablemente no habrían encontrado descabellado contar las columnas de su Panteón mental.

Extraído de "Cosa mentale" / Acción superior de la inacción. Simón Leys. Contenido en La felicidad de los pececillos, Cartas desde las antípodas.

(Imagen, Niños Pequeños de Édouard Vuillard)

Sobre todo antes

Martín BA dibujando en la esquina de Uriarte y Gorriti / Buenos Aires.

Si bien más de alguien podría cuestionar la afirmación de que no todos los días un tanque aparece estacionado en la vereda de la casa de cualquiera (la historia latinoamericana apoya tal postura crítica), sería difícil encontrar a quien imaginase que un blindado de libros podría materializarse un día proto primaveral debajo de su balcón.

No en Buenos Aires, ciudad donde todo -hasta lo que Borges no atinó a imaginar- es posible.

Y aquí la tenemos: un Arma de de Instrucción Masiva, como se lee en su parte posterior, felizmente estacionada en la calma de Villa Crespo.

Su creador cuenta que es parte de un ejército internacional y, como prueba, entrega documentación sobre un blindado que hace de la tipográficas suyas en Holanda, antes de partir, previo canje de libro de poesía de Alberto Girri por ficciones ultracortas de Anagrama y Es más de lo que puedo decir de cierta gente de Lorrie Moore, porque sí: este blindado es, también, la biblioteca más ambulante que imaginarse pueda.

El dibujante Hugo Robles Lama homenajea a Raúl Ruiz, el director de cine al que una vez, sin reconocerlo, le discutió a muerte sus teorías estéticas durante un asado. La imagen corresponde a una promesa: Mémora, el comic con la aventuras de un alter ego del realizado, Raúl Buin, en el Imperio Medio del siglo XXI.

"Efectivamente, en el siglo pasado los artistas vivían casi como mendigos y pasaban la mitad de su vida en unos bares oscuros, que es el caso un poco ahora en Chile. O dependían de instituciones, las que en vez de hacer cultura, en vez de crear, hacían comentarios. Esa es una enfermedad típicamente chilena y latinoamericana en general: pretender que hacer cultura es hacer comentarios a hechos culturales que ya tuvieron lugar, en lugar de producir nuevos". Raúl Ruiz

(Texto, Vía FilosofíaEstética)

(Imagen, Rodrigo Lara Serrano)

¡Obama illuminati, go back to America! les gritaron y, simultáneamente, los golpes y patadas comenzaron a caer sobre Shepard Fairey y su amigo Romeo Trinidad. Fairey es el artista callejero yanqui que saltó a la fama mediática global gracias a su afiches de apoyo a Barack Obama en 2008, pero –previamente– había construído una imagen propia por medio de la actividad incesante de su serie Obey!, ganándose, de paso, algún allanamiento y detención en manos del FBI o el servicio secreto. La agresión tuvo lugar en Copenhagen, Dinamarca, y fue adjudicada a presuntos anarquistas, molestos por una obra de Fairey erigida muy cerca de lo otrora fuera una construcción centro de actividades de la izquierda anti sistema, que fue demolida por las autoridades hace pocos años (imagen de abajo).



El monumento ya había sido atacado previamente. En Dinamarca se dijo que la responsabilidad era de los medios, los que aseguraron que Fairey lo había pintado gracias un financiamiento municipal, cosa que el artista fue enfático en negar.

Luego de lo sucedido, el creador de Obey! repintó el lugar, escenificando un enfrentamiento con la policía, con ayuda de jóvenes de el ex centro, aun así el mural fue rayado nuevamente. Que se acusara a Fairey de ser un yanqui hipster (ataque rayano en lo hilarante) habla de que o algunos anarquistas daneses son industrialistas o que, tal vez, sus atacantes sean más bien neonacionalistas nórdicos.

La ironía de la historia es que el apelativo de "Illuminati" ha sido, desde fines del siglo XVIII, un insulto enarbolado no precisamente contra hippies o beatniks. Su primer uso provino de partidarios de la monarquía absoluta –en especial católicos contrarreformistas– para referirse a masones y, en general, todo tipo de simpatizantes democráticos. Más tarde, lo adoptaron u heredaron movimientos de ultraderecha o fascistas, para quienes tanto el liberalismo democrático, el socialismo y el comunismo no eran más que el resultado de la actividad conspirativa de un pequeño grupo de personas sin ninguna conexión con la realidad económico social. Desde fines de los 80 y en los 90s del siglo recién pasado, comenzó a circular en un sentido no opuesto, pero quizás hasta más llamativo: numerosos documentales y sitios de internet conectan el concepto con un presunto gobierno mundial en las sombras, cuyo fin es propagar el capitalismo y detener todo posible cambio del status quo pro globalización. Demás está decir que tanto los anarquistas daneses como los militantes más extremos de los Tea Party de EE.UU. (que consideran a Obama como miembro de una conspiración planetaria anti pueblo estadounidense) serían considerados illuminatis en la Francia y/o Prusia del absolutismo y estarían en sus mazmorras. Fairey, también.

Al azar, abriendo los diarios de Keith Haring:

Todo esto hay que considerarlo en el contexto del cambio contínuo al que estamos sujetos. Es por ello por lo que, para mí, la pintura puede ser tan descriptiva como las palabras. Porque yo estoy cambiando en cada momento de mi vida. Creo que no he vivido nunca dos día que fueran iguales en todo. Pudieron parecerse, pero no fueron iguales.

Pienso, siento actúo, imagino y vivo de forma distinta cada día, a cada momento. Y si yo no soy igual en momentos distintos, las imágenes que produzco también tienen que ser distintas.

Pinto de forma distinta cada día.

cada hora.

cada minuto.

cada instante.

Mis obras describen un espacio y tiempo determinados.

Describen las líneas de mi pensamiento.

La duplicación es imposible sin una cámara.

La repetición, imposible sin una cámara (o una máquina) no es repetición.

Como uno pinta de forma distinta cada día, es imposible pintar una obra homogénea en más de una sesión.

(Imágenes de Philip Guston)